Anfang der 90er Jahre begann ich mit kubistischen Malereien, die an die Ästhetik von Comic-Strips erinnerten. Im Jahr 2004 bekam das Kind dann einen Namen: „Comic-Kubismus.”

Es war im Jahr 2004 in der Galerie Durruti. Viele Gäste waren zur Eröffnung der Ausstellung in den engen Räumen versammelt. Fred Feuerbacher bahnte sich seinen Weg durch die Menge um mit ein paar Worten die Ausstellung eröffnen. In einem seiner ersten Sätze fiel dann der Begriff Comic-Kubismus. Seither hat das Kind einen Namen.

Wurzeln des Comic-Kubismus

Der Comic zeichnet sich durch die Mittel von Linie und Fläche aus, wobei der Raum ebenfalls durch die Fläche definiert wird.
Die plakative Wirkung wird zusammen mit dem synthetischen Kubismus, der gleichzeitigen und überlagerten Darstellung unterschiedlicher Ansichten oder Perspektiven, genutzt, um kontrastreiche Aussagen über das Motiv oder Erlebnisse zu treffen. Das Motiv wird zu einer bildhaften Symbiose aus alltäglichen Erlebnissen und Träumen sowie aus Linien, Farben und Strukturen.

“Man hat den Kubismus mathematisch, geometrisch, psychoanalytisch zu erklären versucht. Das ist pure Literatur. Der Kubismus hat plastische Ziele. Wir sehen darin nur ein Mittel, das auszudrücken, was wir mit dem Auge und dem Geist wahrnehmen, unter Ausnützung der ganzen Möglichkeiten, die in den wesenhaften Eigenschaften von Zeichnung und Farbe liegen. Das wurde uns eine Quelle unerwarteter Freuden, eine Quelle der Entdeckungen.“

Pablo Picasso

Kaugummi und Coca-Cola

Meine Kindheit in den 60er Jahren war wie die so vieler anderer unserer Generation geprägt von Comic-Figuren, der Pop-Art, von Kaugummi und Coca-Cola. Doch während andere Kinder sich in der Schule mit Englisch, Latein oder Physik plagten, nutzte ich jede Minute meiner Schulzeit um zu zeichnen, und zwar Comics.

Ich kopierte aber nicht einfach Donald Duck, Micky Maus oder Superman, sondern entwickelte von Anfang an meine eigenen Figuren und Geschichten.

Realismus und Abstraktion

Später wurden diese zum Teil so abstrakt, dass schliesslich keine ganzen Figuren mehr erkennbar waren, sondern lediglich die Linien und Formen an Comic erinnerten.

Während meines Studiums an der Merzakademie zeichnete ich dann auch Figuren wie z.B. Tick, Trick und Track oder Donald Duck für Kinowerbespots. Das war eine recht lukrative Wochenendarbeit. Diese Arbeiten bekannter Comic-Figuren blieben aber die Ausnahme.

Zu dieser Zeit entstanden auch viele mystisch und surreal anmutende Bleistiftzeichnungen sowie etliche Naturstudien. Ich begann meinen Comic-Figuren realistische Elemente beizufügen.

Erste comic-kubistischen Bilder

Anfang der 90er Jahre malte ich dann meine ersten comic-kubistischen Bilder. In ihnen nahm nicht mehr die Figur die Hauptrolle ein, sondern vielmehr das Wechselspiel der unterschiedlichen Perspektiven, der farbigen Flächen, der Linien und Strukturen.

Vorbilder und Inspiration

Letztlich haben mich selbstverständlich auch Kubisten wie Georges Braque, Pablo Picasso, Robert Delaunay, Fernand Léger, Marcel Duchamp dazu inspiriert den Kubismus zu neuem Leben im Hier und Jetzt zu erwecken. Und es waren eben auch Maler wie Henry Matisse oder Max Beckmann, Hans Arp oder Frank Stella, die neben diesen Vertretern des Kubismus, den allgegenwärtigen Comics meiner Kindheit und der damals aufkommenden Popart, ihre Spuren in mein Ästhetisches Bewusstsein gravierten. Ich sehe mich mit meinem Comic-Kubismus also durchaus in guter Tradition.

Wir leben im Zeitalter der Information. Wir sind umgeben von Themen und Informationsfraktalen, oft verwirrt von unterschiedlichste Sichtweisen, Standpunkten und Wahrheiten. Ob wir wollen oder auch nicht prasseln viele dieser Informationen gleichzeitig auf unser Bewusstsein ein. Der Comic-Kubismus ist für mich ein Weg diesen Gegebenheiten malerisch und in der Gegenwart zu begegnen.

Gegensätze ziehen sich an.

Im Gegensatz dazu stehen meine hyperrealistischen Portraits, Tierportraits und Quittenbilder, die uns als Betrachter in einen Raum der Ruhe, eine eigene Zeit entführen. Und für mich selbst sind sie eine Art Inspirationsquelle für die Arbeit an den Comic-kubistischen Werken. Während in meinen unterschiedlichen Projektarbeiten die scheinbar gegensätzlichen Darstellungsformen immer wieder auch zusammenfliessen.

Das menschliche Antlitz

Das Portrait faszinierte und interessierte mich immer schon. Ich sehe Augen als die Spiegel der menschlichen Seele. Mir ist es wichtig individuellen Ausdruck heraus zu arbeiten.

„Im 16. Jahrhundert entwickelte sich das „Tierstück” zu einem Bereich des Stilllebens; als eines der bekanntesten Beispiele wurde der Feldhase überliefert, ein Aquarell von Albrecht Dürer.“

Wikipedia

Das Wort „Tierstück” obschon natürlich das Bild selbst gemeint, wirkt auf mich wie eine Versachlichung. Wenn ich Tiere beobachte fühle ich das anders. Jedes Tier, jedes Lebewesen ist ein Individuum. In meiner Malerei wird daher das, was wir für gewöhnlich als Stillleben bezeichnen z.B. die Darstellung eines Tieres oder einer Quitte eher zu einem Portrait.

Realismus, Fotorealismus, Hyperrealismus

Im Fotorealismus wird der Gegenstand des Bildes mit einer an Fotos erinnernden Detailgenauigkeit gemalt. In dieser Stilrichtung müssen nicht unbedingt Fotos als Ausgangsmaterial genutzt werden.

Im Hyperrealismus werden Details überhöht, die so in der Fotografie oder mit dem bloßen Auge nicht wahrgenommen werden.

Für mich ist handwerkliche Perfektion eine Selbstverständlichkeit. Dabei ist es unerheblich ob es sich um abstrakte oder gegenständliche Malerei handelt. Für eine realistische Darstellungsweise ist das genaue Hinsehen Vorraussetzung. Form und Farbe erfordern viel Interpretation um das Subjekt entsprechend lebendig und real erscheinen zu lassen.

Das Projekt “Tango” begann 2003. Eine erste Ausstellung in diesem Themenbereich wurde im Jahr 2004 gemeinsam mit der Tangotänzerin Brenda Figueroa und Stella Maris Culture in Stuttgart organisiert. Danach entwickelten sich weitere Werke und so wird das Tango – Projekt fortgesetzt.

Tango ist nicht nur ein Tanz, Tango ist das Leben, und die Einstellung zum Leben

Brenda Figueroa (Tänzerin)

Der Gockel

entstand im Zusammenhang eines Architekturwettbewerbes. Es kam die Anfrage eines Architekturbüros im Bereich Kunst am Bau. Zuerst sollte der Gockel nur grob skizziert werden.

Aus der groben Skizze wurde dann diese ca. 140 cm hohe Skulptur. Der erste  Schritt seit längerer Zeit in den Bereich der bildhauerischen Ausdrucksform.

Die Skulptur besteht aus einem PU- Schaumstoff Kern und wurde dann mit einer Kunststeinmasse armiert. Die Farben sind mit Alkydharz fixiert um bestmögliche Wetterbeständigkeit zu erreichen.

Die Skulptur vor dem Gebäude war mit Sockel mehrere Meter hoch angedacht. In dem Fall wäre der Gockel natürlich mit einem entsprechenden Stahlunterbau versehen und auf einem Bodenfundament verankert worden.

Diethard Sohn arbeitet an unterschiedlichen künstlerischen Projekten. So gründete Sohn 2015 gemeinsam mit der Stuttgarter Künstlerin Irene Müller das Label Müller & Sohn.

Müller & Sohn versteht sich als ästhetisches Experimentier- und Forschungslabor im Spannungsfeld von Malerei, Bildhauerei, Fotografie und Videokunst. Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Auseinandersetzung mit der Natur, ihrer Phänomene und der Veränderungen, die sie durch den Eingriff des Menschen erfährt. 

Müller & Sohn entwickeln künstlerisch-wissenschaftliche Instrumente, die sie als objekthafte Markierungen in der Natur einsetzen, um die visuelle Struktur von Landschaften zu verändern. Durch diese räumliche Neuinterpretation und deren multimediale Dokumentation schaffen Müller & Sohn Bilder von eindringlicher ästhetischer Stringenz.

Irene Müller, die als künstlerische Mitarbeiterin für Christoph Schlingensief tätig war, setzt dokumentarisches Foto- und Videomaterial in ein dynamisches Wechselspiel  mit Malerei. Diethard Sohn stellt die Verbindung zur Natur mittels der hyperrealistischen malerischen Wiedergabe seiner Motive her. Ihr steht gleichwertig seine ironischen Neuinterpretation des Kubismus im Zeichen einer Verbindung kubistischer Strukturen mit der Ästhetik und Farbgebung von Comic-Strips gegenüber. 

zur Website Müller & Sohn ..

Diethard Sohn

Bildender Künstler

2015 Gründung des Labels Müller & Sohn
Seit 2011 Gemeinschaftsatelier in Stuttgart mit Irene Müller
2004 – 2007 Arbeitsaufenthalt in Indonesien aufgrund der Einladung eines Mäzens
2003 – 2004 Gastdozent an der Merz Akademie Hochschule für Gestaltung, Kunst und Medien Stuttgart
1991 – 2004 Gastdozent an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart 
seit 1984 Frei schaffender Künstler, Malerei und Skulptur
1979 – 1983 Studium an der Merz Akademie Hochschule für Gestaltung, Kunst und Medien Stuttgart, Abschluss
*1961 in Köln am Rhein geboren